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赤鱼追波

建筑日记

 
 
 

日志

 
 

董治年:混沌世界下的人文主义  

2012-12-14 09:26:25|  分类: 家庭装修 |  标签: |举报 |字号 订阅

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董治年:混沌世界下的人文主义

编者按: ASLA设计竞赛与IFLA竞赛是一样的,都是由发达国家主办的。发达国家对于景观的思考已经先进于发展中国家对景观的认识,发展中国家对于景观的认识还停留在施工图、结点、或实现普通项目的关注上,而发展中国家已经开始关注人与自然与生态之间的关系了。相对来说这两大竞赛更关注的是学生或设计师对于未来景观的预测或判断甚至是前瞻性的研究。现在是全球化的时代,不仅在科技方面全球化,在文化上也应该实现全球化,但是全球化不一定要抹杀地域特征,一流的景观设计界的评委,他们已经完全不是在用发达国家静止不变的观点去考量设计师的成就。首先去考量的是设计师是否能根植于所在的文化环境中,同时又和主流全球化设计发展潮流的趋势保持一致,评委并不希望设计师去学习扎哈或者库哈斯表面的东西,而是希望在本民族文化进行更深入的挖掘。

景观设计西方国家尤其以美国为主是发展得最早的,时间可追溯到20世纪的三四十年代,它也是从建筑设计里划分出来的领域,但同时它引进了环境工程学,生态学,地理学等相关的学科知识。中国景观设计的教育与实践都是落后发达国家很多年,直到俞孔坚从哈佛回来之后在北大成立第一个景观学系。现阶段的景观设计处在早期对欧美国家设计的形式模仿阶段。

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 董治年领奖照片

2012 ASLA 学生奖颁奖典礼于美国时间2012928101日在美国亚利桑那州的凤凰城举行,由清华大学美术学院环境艺术设计系博士研究生、北京服装学院环境艺术设计系讲师董治年带领的北京服装学院环境艺术设计系王宏侠、王一鼎、樊昌林、周超所组成的CHAOS(混沌) Design Research Studio 设计研究实验室设计的《地景中的庇护空气蛹》获得住区设计类 Residential Design 荣誉奖,中国设计又一次站上了世界舞台。

前期——关注流浪者

我们的生活区域不是在高校就是在市中心,看到的主要是以设计师业主白领以上的人群为主。但是即便是在北京这样一线发达城市还有一个流浪者的角落,他们流离失所,居无定所,毫无归属感。于是我们团队经过调研以及头脑风暴后,决定把项目定性在关注流浪者的生活状态。

在项目初期我们以一种观察者的身份对他们进行调研,但是一开始受到了流浪者的排斥,这类特殊人群是非常具有警惕性的。但是经过了多次接触之后,我们与他们成为了朋友,与他们进行交谈,走进了他们的生活,慢慢的他们消除了对旁人的警惕性,这也使得我们把设计做得很深入。

设计师经常陷入一种误区,已经习惯了一种设计方式,对着电脑去想象设计,很少有设计师真正的去问使用者到底需不需要这样的设计,这一次我们获奖最大的原因可能是在于我们用另一种方式近距离的贴近了设计的本身,设计的使用者本身,如果仅仅把设计停留在工作室办公室,是拿不到奖的。 

选材——可持续生态生长材料 

竹子是一种可持续的生态的生长材料,它生长很快,但是它在国内并没有得到很好很广泛的使用。但是竹子在中国很容易的取得,与钢筋、砖、混凝土等其他建筑材料相比,竹子具有低碳、绿色、廉价、高韧性、高可变形性,高抗拉刚度和重量轻等特点。我所在的研究所是清华大学艺术与科学研究中心可持续设计研究所,可持续性设计研究在西方是非常关注的词语,它所关注的是以往物质设计以外的人与自然与生态之间的关系。于是竹子这样可持续的生态生长材料就成为了我们的首选。

项目——母体与子体关系 

我们重新定义了流浪者与他们在桥下的生活空间之间的母体与子体的关系,这就像豌豆和豌豆荚。我们将此空间设计成为一个全新的景观(根据流浪者的行为而丰富的空间景观)-母体,以及景观中的庇护空气蛹——子体。环境为母体,流浪者为子体。植物为可持续性发展植物,不仅仅具备观赏性,更具备食用性,比如我们有豆角,黄瓜,南瓜等等,在平时可以作为观赏性植物的绿篱与表皮出现,但同时它又可以为流浪者提供一定的生活来源。

分工——混沌中的清晰

一开始从调研着手,用海选的方式选择方案的切入点,这次主要是我的构思,其中几位队员分工不同,有人负责总体技术类的协调,有人负责图纸类搜集,有人负责表现,除了方案概念性比较困难,它的结构性也是很复杂的,这是一个非线性设计和参数化设计之间的一种表现。

所谓非线性设计并不是像一般设计师认为的是艺术家的雕塑性作品,它其实是用计算机用严密的分析生成的结果。这就是为什么中国设计与发达国家设计差距那么大的原因,我们太停留在对表面形式粗浅的认识上了。鸟巢就是典型的非线性设计,但是你会发现全中国会有各式各样的山寨“鸟巢”,这就能证明中国还处在一种很初期的模仿设计阶段,停留在对表面展现方式的研究,但是赫尔佐格、德梅隆他们对鸟巢的分析更多的是从结构上。 

设计环境大对比

所有西方一线建筑师都面临一个问题,在西方没法做地标性的建筑,于是跑来中国实现自己的设计,中国就像是试验田,这就代表了发达国家和发展中国家的区别。在发展中国家这是一个商业行为政府行为,需要建立一个地标性的建筑,需要大量的媒体去捧,所以需要“地标”,越怪异越好。而西方不是这样,西方盖一个建筑首先要得到老百姓的同意,要签字要成立委员会,就因为这一个原因让西方要建立一个富有张力,富有设计感的建筑是很困难的。而在中国很容易,所以大量的西方设计师现在都选择中国,但是最后的结果就是中国现在到处都是地标性建筑。 

再看景观设计,西方景观更多的是在不变的环境中进行一种调剂功能,而中国不是,中国是拆了一大片建一个广场,或建一个公园,所以中国景观的可持续性发展还能难说。中国的设计不是为了宜居而做的设计。可持续性发展不应该仅仅停留在技术层面的发展,而我们应该更多的去考虑一个空间过了50年,100年以后还有没有人在使用,这是设计观念上的可持续性。

 中国式试验田

中国就像是试验田西方建筑师的试验田,有各种各样标新立异的建筑在这里拔地而起,这代表了发达国家和发展中国家的区别。在发展中国家这是一个商业行为政府行为,需要建立一个地标性的建筑,需要大量的媒体去捧,所以需要“地标”,越怪异越好。中国思想与文化是社会的发展是脱节的,这需要过程,但是它正在成长,设计观念的影响有很多的原因。

我们一直认为中国的设计进入了瓶颈阶段,但其实要学习设计史会发现这并不是中国独有的,日本明治维新以后是对西方设计的模仿,其实它也有这样的一种过程,比如对日本传统建筑的排斥,一味学习欧式建筑,现在去日本还是可以看见还保留着很多欧式的建筑,它也有这种迷失的过程。但是在现阶段来说日本至少有一点是超越中国设计师的,它很快在盲目学习西方设计师的同时找到了本民族的特色,既不属于完整的传统意义上的东方,也不完全模仿西方的折中式设计,但是它的本质又是很东方的。

中国的设计实践在不断的往前赶,但是中国的设计观念还是处在一种相对落后的阶段。包括中国的生态环境也要考虑可持续性的发展,而不能等到出现之后才开始想解决的办法,就像地震一样,要有预警措施,而不是仅仅想着去补救。

 欧美式有机体

欧美城市规划把城市作为一个有机体,就和人的五脏六腑一样,相互之间是有关联关系的生态系统。在法国特别容易迷路,在北京不会,因为北京是一种纵横式的环状规划,但是法国是基于对老城市的尊重,对老城市的扩建或微调,所以它的迷路是很正常的,甚至这个是巴黎这座城市独有的特征。这样一种特征在现代理念来说是一种好的现象,中国现在所走的是西方现代主义的道路,而西方现在已经开始在反思现代主义,开始走向更庞大的后现代主义时期,而后现代主义时期最大的特征就是人的关怀,对生活的关怀,甚至是对老传统,老建筑的关怀。 

类型不同分工不同

在西方设计师分为很多个类别,有很成熟的商业设计师,他专门做商业性很强的项目。还有一些我们所认识到的大师性质的,像库哈斯、扎哈、贝聿铭,他们的设计是带有一种对文化的反思,对社会的触动,现在的问题只能说明中国第二类设计师太少了,普立兹奖为什么今年会把奖颁给王澍这就是一个非常值得思考的问题,王澍并不是在商业上很成功的设计师,所做的并不是很大的项目,不是城市地标性项目,他把自己标榜的是一个文人,他把设计提高了一个层次,是具有东方性的项目。一个好的设计必须要有人参与,并且是很和谐的参与,而不仅仅是标志处在那。 

其实设计虽然点很小,但是它折射的就是社会,这个是我从福哈斯的思想里面学习到的。我觉得福哈斯的伟大,就是她从来没把他当成是一个对形式关注的设计师,他认为他是一个对社会很有作用的思想家,但是这个是很了不起的。 

设计师生存状态对比

在中国要当一个好的设计师其实很难,我接触过很多的设计师或者设计公司的老板包括员工,有一个很大的问题是他们并不认为做设计是很有意思的事,他们做设计更多的是为了生存,如果把设计仅仅当成是一种生存性的行业,那他设计师对设计的追求或者是设计的责任是很难去要求的,因为他现在还处在温饱阶段。

而西方的设计师已经超越了这个阶段,首先设计师的素质很高,第二设计师的收费很高,第三设计师的话语权很强,第四设计周期可以拖很长。中国设计师的短周期性密集型劳动,低地位导致最后的设计怎么体现价值?设计师已经从创造行业“下降”到服务行业了。 

景观设计&室内设计

西方发达国家对于景观的认识已经超越了仅仅是功能方面的认识,已经进步到了对社会观察或批判性的认识。景观跟建筑与室内有一个最大的不同是以一个公共性的形态参与到社会中,而公共性在西方的发达国家是最为重视的。中国现在也开始越来越重视公共空间的参与,所以从这一点来说,景观其实更贴近于人,也从这一点来说景观更可以给人带来心理因素带来冲击。 

中国现在是把设计师分为景观、建筑、室内分开理解,包括公司,包括所服务的项目,西方的建筑设计公司即做建筑,又做景观,甚至还做规划,他们是一种贯通式设计,从这一点来说,他们这样做是有科学性的,对事务所来说,不管是景观还是室内甚至包括家具设计都是可以保持连续性的。而中国的分段式设计是很可怕的,室内做室内设计,建筑做建筑设计,景观做景观设计,分门别类特别的细致,其实到最终会出现一种很混杂的状态,互相不是一种协作式的团队。所以你会看到很现代的建筑里可能是一个中式的空间,它的外围可能又是一种结构主义的景观,在中国有很多这样的例子。如果是能协调好那情况会好一些,但是中国缺乏这样的平台。 

景观设计从表现形式来看相对来说温和一些,它不像建筑设计那么尖锐,建筑现在出现的是越来越尖锐的状态,就像地标性建筑,在国外还有一个设计是城市设计,在中国还没有开设相关类似的专业,中国更多的城市设计是由景观设计师在做,他在协调建筑之间的关系。不是为人服务的设计都是比较畸形的设计,它可能是为了汽车,为了可能更庞大的东西设计的,但是现在的设计是会开始回归到为人设计的阶段。设计发展到一定的阶段是会回归到本质的,像类似于中国的元素一类的东西慢慢的就会是显现出来,中国的建筑在清代已经消亡了,建筑体系的发展潮流主要是以结构发展为主,中国的结构主要是木结构为主,清代的木结构就没有了,后来所学习的都是梁思成所带回来的那一套理论,虽然是在模仿一些中国的木质结构建筑,但是它已经在使用像砖,混凝土一类的东西在做了。

景观与园林

90年代中期,可以说只有园林没有景观,圆明园、颐和园、苏州园林就是园林,园林有一个最大的特征,就是它是为少数人服务的,当园林免费向大众开放起就从园林变成了景观,比如说现在城市里有很多的公园都免费开放了,在它免费开放的那一刻起,它就变成了景观。但是有一个很大的问题是它在用风景园林的构成去建成景观,比如说在一个对大众开放的公园里有很多的小桥,人多的时候其实小桥很难容纳下人,甚至有塌的危险,这从中国古典园林的审美分析来说,它是必须的,因为只有窄窄的小桥跨过去才有纤细的感觉,这才有风景园林的美,但这恰恰是背离现代景观的。它的性质已经变成了景观,但是它的意识形态还是园林。

而园林经过发展后还分为古典园林与现代园林,古典园林包含像圆明园颐和园一类的古代式风格,而现代园林设计可以参考伯纳德·屈米设计的巴黎拉维莱特公园,这是解构主义非常明显的案例。其实西方最早也与中国一样,不是景观的概念,而是园林的概念,像英国法国都是封建集权制的国家,他们过去优秀的园林像凡尔赛宫一类都是私人的,只有大革命之后走向民主制之后才有真正景观的出现。 

景观设计师专业技能

在全世界来说,景观其实有两个标准,第一是它跟周围的环境是否能融合,是否美,第二就是人的参与。在中国现在有三类人在做景观,一类是以前的风景园林,以北京林业大学为代表,或是相关教学体系,它是从教学的角度对古典园林,或植物的特性去设计;还有一部分人是从城市规划的角度做设计,以建筑院系开设的景观专业为代表,他们重点考量景观与城市之间的关系;还有一类是环境艺术设计专业为代表的高校或公司所展开的。其实这三方面的好处与劣势,从风景园林专业对植物的把控会更加的到位,对以前古典园林的体现都保存得非常的好;从建筑的角度来说,更多的能考虑场所空间,就是城市规划相关方面;而从环境艺术的角度来说,我个人觉得是最符合景观设计的特质,因为它是从人的角度作为考量。 

景观设计师,理想的景观设计师我也是引用美国景观设计协会的一个定义,首先,他要是一个对社会学很了解的一个人,这是第一点;第二点,他的技术指标他需要了解地理、地貌、气候、生态包括你说的植物习性;第三点,他需要一定的美感,对雕塑,对建筑的美感。主要是这三个部分,主要是技术、艺术和社会责任感。这只是一个比较高的要求,但我觉得作为高校来说我们还会从这三个方面培养的,都不可缺失的东西。

实践重要还是理论重要?

我在读大学的时候也有过这样的迷茫,但是我遇到了一个很好的老师,他和我说:“大学只有四年的时间在学习,但是实践可以一辈子,工作可以一辈子,如果这四年的时间也是用来实践或工作,那还剩下多少的时间用来学习呢?”

高校教育与现代应用脱节

能够代表北京一线类设计院校,如清华美院,央美,北服,都是没有教材的,在上具体设计课程的时候是没有教材的,只有一些基础性教材,比如像三大构成。但是具体到某一类课程的时候都是没有教程,如果用教材是根本赶不上设计实践设计潮流的,这需要每个老师都有自己授课的一套方式理论。或者是老师有教材,但是这些教材是没有出版的,为什么不出版呢?不是在于其它的原因,而是一出版可能就会老了,所以老师的教材都在自己的大脑里,或在自己的知识结构知识体系里,而且是随时更新的,我认为这样的教育才符合现代设计的需求以及发展。设计院校的老师需要理论与实践相互融合,并且以简单通俗易懂的语言去告诉学生相应的内容,这是设计的需求,西方的设计高校大多数是这样,这样的一种教学方式,学生其实在校期间就已经是理论与实践相结合的阶段了,平时再做一些课题研究。我们所说的实践其实更认同与像美国的实践,美国的高校老师大多数都有自己的工作室,但是他们所做的实践是更偏向于理论性实践,但是不仅仅是在文字上,更多的是通过实践把理论实现出来,而中国高校的老师也会做一些工作室,但是他的实现范围是与现在的设计公司雷同的,这就导致了他没有前瞻性,甚至还不如一般的设计公司,因为设计公司是良性的商业化运转,运转得很快很高校,但是在学校本身就缺乏商业性资源,但是又用学校缺乏商业性的资源去与商业性公司去竞争,这是很没有意义的。

利旭恒:设计意味着交流和碰撞

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 利旭恒

作为古鲁奇建筑咨询有限公司的设计总监兼总经理,在餐饮空间设计行业浸淫多年的利旭恒已经是一个对此领域有很强掌控力的专业设计师,拥有众多成功项目案例并多次获得国际大奖的资历让他在餐饮空间设计这一领域保持着卓越表现和创造力。在他看来,设计并非崇尚某一个所谓专业人士的“一言堂”,而是团队之间思想火花的不断碰撞。作为设计界的一匹黑马,利旭恒一直受到国内外媒体的广泛关注。日前,他接受了国际著名设计杂志《Objekt》中文版杂志的采访,在深度的对话中对其设计进行了一次饶有趣味的自我探究。

“星星之火的燎原之势”

您自己开始做设计的时候承接的第一个项目是什么?

利旭恒:是一个餐厅,在台湾,造价很低但是很有个性的一个餐厅。

 

是个什么类型的餐厅?

利旭恒:时尚餐厅。那时我刚毕业。对于一个刚毕业的学生来说,为什么我当时能拿到那个项目呢?第一是因为朋友帮忙介绍,第二是因为这个项目我不要设计费,而且向业主保证能控制工程造价预算。于是我就有了这样一个机会尝试做餐厅,同时业主方面也是一个大外行。于是就这样,在大家都是外行的前提下集合在一起,做成了一个很有意思的餐厅。

 

很有意思指的是?

利旭恒:在造价很低的前提下,能够达到实用的效果,同时还有一定的设计感和美感。比如我们用的材料,像那些硅酸板或者石膏板,我们直接切割成不同厚度做到墙上,去体现它组合上的趣味性。比如洗手间的洗手台用一个大的钢盆,把出水管做成一个围合缠绕的形态,从而称为拖起钢盆的结构;然后,再换个角度饶回来,拐个弯就又变成了水龙头,最后做成了一个很有意思并且造价很低的餐厅项目。但是因为那个时候我们公司的知名度并不是很高,而且社会对餐饮业装修的重视程度同样不高,所以我们接到手的项目很少。但是随着我们做的一些项目的知名度日益提高,越来越多的人来找我们合作。

 

有没有那种一炮打响的项目?还是慢慢积累口碑相传的结果?

利旭恒:慢慢积累的结果,我们并没有一炮打响的项目。虽然我们做了不少成功的案例,也拿了一些奖,包括国际的大奖,但是我们始终觉得自己做得不够好。事实上,好的设计师比比皆是,比起他们我们还差得很远,我们很清楚自己的位置,仍然需要不断地努力。

设计是两个人以上的交流碰撞

2005年的时候餐饮业有上涨的趋势,但是那个时候不管是在认知度还是设计实践方面仍然会有一定条件的制约,现在回过头去看,如果说过去的那些制约可能会成为因势利导的一些因素的话,对你来说最大的推动是什么?也就是说,当时的一些局限性或者一些制约性的因素,后来怎么成为你们设计当中的一种动力?

利旭恒:当时的一些制约,包括预算造价、设计工艺或者和业主之间想法不一致而长期磨合等等有很多。但从好的方面来讲,这是很有意思的一个过程,实际上也是一种交流的方式。比如在和业主交涉的过程中如果他说得很有道理,我们会做出一定的妥协,但有些时候我们也会很坚持自己的想法因为不想失去一些设计的亮点。但我不是那种面对一个方向做设计的人,我会想着大家在一起合作的话包括团队也好、客户也好,相互之间会产生碰撞和交集。我觉着这是一个很有趣的过程,因为我们做设计时产生的一些灵感就是在这样碰撞的过程中被激发出来的。其实我一直觉着设计是两个人以上的交流碰撞,最少两个人,一个人的话就变成只设计给自己看了,这在设计行业中是很危险的事情。我们并不做我们自己单方面想做的东西,我想做的是:另外一个人或者一些人所想的,然后再结合我们自己所有的,最后碰撞出来的东西。因为设计没有好的或者最好的,只有适合的才是好的。

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 刚才您说了一个很有意思的点,说最适合的才是好的,我们知道做餐饮跟做其他行业有点不太一样。做住宅设计的时候你面临一个受众,做房地产项目的时候面对房地产商,而他们又是站在购房者的角度去考虑,或者做一个市场调研反馈给设计师。而餐饮要考虑的受众的因素就更加复杂一些,因为餐厅的就餐人是不断变化的,因此它的受众是很大众化的。从这个角度讲,怎样考虑受众的因素?

利旭恒:我们做的是不同类型、不同品牌的餐饮,不同的品牌有特定的受众人群。比如像麻辣诱惑,我们在做设计的时候做过调查,发现它的受众人群百分之七十以上都是三十岁左右的女性,这样的话,我们就会针对这个受众人群做一定的呼应。我们在上海麻辣诱惑的旗舰店花费大量的空间——大概有一百多平方米在洗手间上,其中又增设了化妆区,在里面增设一些化妆镜和化妆台去服务她们。我觉着对于现在的客人来说,用餐可能更要考虑的一点是心理因素远远超过生理因素。现在我们做空间设计的时候就会考虑这个店的受众类型、餐饮目的等等来确定我们的设计风格。

 

又及餐厅的整体风很清新,很时尚,给人一种眼前一亮的感觉。当时怎么考虑这种空间设计的风格?有一张餐厅的图片我很喜欢,是在您网站上看到的,其中透视的层次感很有趣,当时的初衷是什么?

利旭恒:又及餐厅的概念是校园,就是希望唤起人们对校园餐厅的回忆。这也是当时跟客户沟通的结果。客户是一个年轻人,他希望营造一个空间可以为像他这样年纪的人,比如刚刚从大学校园出来踏入社会的人,提供一个休憩缅怀的幸福空间,让他们来到这里有一点心灵避风港的感觉。我们运用了大量柔和的绿色系色彩和天然的大理石,还有大片的草地,温馨私密的小角落,这是我们加入的关于校园抽象概念的具体元素。表面上看,整个空间具有空旷感;但事实上,空间的使用密度还是挺高的。比如说这两排是用两种不同的材料围合形成的火车座,但是彼此之间是错位的关系,这样一来要就会产生一些趣味。

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 是因为有了这种错位关系上的巧合才导致了墙体的错位感?还是故意做成这样的?

利旭恒:是我们刻意去做错位的,然后随着这个错位的区域去配套设计其他的东西,让它成为一个围合的区域。这样形成空间上的层次感,让人的视觉不那么单调。

我们知道餐厅的更新率很快。比如餐厅装饰的色调是白色系的,那么就会由于使用者的缘故变脏或者被破坏,因此这种类型的餐厅在材质的选择上有没有一些特殊的考虑?

利旭恒:我们会有使用或者养护方面的考虑。比如说我们在材料的选择上会尽量使用油性喷漆,而不是乳胶喷漆,因为乳胶喷漆很容易变脏,但是油性喷漆是可以擦拭,比如墙上的部分,我们用的就是铝板喷漆。

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一般来讲,餐厅和房地产在空间设计上不太一样,如果单从材料的选择上来讲,在价格或者档次方面有什么样的考虑?

利旭恒:看客户的预算,有的高一点,有的可能就低一点。我们尽量选择容易获取的材料。因为很多餐厅都有分店,如果材料不易获取的话,那下家店就买不到,或者几年之后需要维修或者置换的时候找不到相同的材料就会比较麻烦。我们不太会用一些特别贵或者太稀有的材料。

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 光的应用让空间更有层次感

其实我一个特别深切的体会,在情调比较好的环境里用餐时自我认知会比较高,自我表达也很强,这在无形当中提升一种心理上的变化。照明所带来的效果就像是一种环境艺术一样,能提升整个环境的情趣表达。从您的角度来看,在空间设计当中,照明的作用是什么?

利旭恒:照明在空间设计中实际上是一种重要的设计语言,能够渲染情调、烘托气氛、传递情感,同时还可以强调空间的主次关系,划分空间的区域层次。通过光源的选择、照度的强弱、色温的变化以及局部的重点照明等等,能够让整体空间的界定更清晰,更有区域感。

 

我听说您在照明这块也在不断地摸索和设计,有什么样的原因和心得吗?

利旭恒:虽然我们主要做的是餐饮空间设计,但因为光在空间设计语言当中是很重要的组成因素,所以尽管我们在这个领域并非专业,但是也需要去了解怎样把灯光设计得更好。因为空间设计是一个整体性的工作,需要各方面配合,如果其中一个因素不协调,就会导致整体效果大打折扣。当然在客户预算足够的前提下我们也会建议让客户找专业的灯光设计公司来配合。我们曾经和灯光设计公司有一些项目上的合作,因此从中也学习到了一些不错的经验。

 

能具体谈一下照明在餐饮空间中的作用吗?

利旭恒:照明在餐饮空间同样也很重要。对于餐饮照明来说,合理的照度水平以及照度分布,光源的显色性高低、照明控制等都非常重要,其中色温和色调的设定会影响就餐的过程。因为不管属于何种餐饮空间的照明,食物的“色”是万万不能忽视的,这就要求照射食物的光源显色性足够好,一般会采用重点照明对食物进行照亮,以此增加客人用餐的食欲。光的类型有很多,像冷光和暖光,或者散光和聚光。我们也专门研究过光的应用,例如快餐厅用的散光其实是均匀照射的光,会给人一种很轻松随意的感觉。而对于时尚餐饮或者那种比较有气氛的品牌餐饮来讲,用的较多的是聚光,或者另外一种说法叫做“吃光”。比如一对情侣坐在对面,聚光打到桌面上,灯光通过桌子反射在脸上就会让人看起来很漂亮。这样的话中间区域是亮的,而周围是暗的,会营造一种很温馨的用餐氛围,整个用餐环境也会产生一种错落有致的主题感和区域层次感。总之,餐饮空间照明设计的出发点绝不仅仅是照亮而已,更重要的是结合室内空间的关系和风格,通过光线,甚至包括灯具外观这些抽象和具象的元素共同将氛围、空间感以及个性化等特征淋漓尽致的表现出来。

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您说的其实就是飞利浦照明所推出的“情景照明”概念。这一理念在几年前被提出,并在不断研发的基础上往前推进。情景照明是指将各种商业营销策略、形式、设计和照明技术巧妙糅合的方式,让灯光开启更灵活、动态以及可互动性的全新模式。近些年,飞利浦持续和全球建筑师合作不断推出围绕情景照明的独特创意和设计。其中,法国建筑设计和形象咨询公司Extremes Latitudes从消费动机的思维角度出发,设计了“响应吧台”:只要把玻璃杯放在吧台的某个点上,就会触发传感器或条形码阅读器,而玻璃杯的底部就会出现一圈光环。如果一段时间内没有移动,那么灯光就开始发生变化,以引起服务员的注意,同时以不同颜色代表饮用的不同酒水饮料,为平凡无其的休闲生活带来更多乐趣。这些照明新技术的发展一定会为你拓展更大的创意空间吧?

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利旭恒:那是肯定的。灯光可以强化对材质的呈现,带来聚焦的作用。同时,它还能帮助设计师针对品牌识别、消费动机、商业营销等不同需求,带来新奇有趣的情景模式,加强消费者的体验与互动。这些都让我深切体会到,全新的照明理念在商业空间中的应用潜力。

有文化的设计才有灵魂

最近这几个项目做得都比较好,同时它们本身也具有很强的代表性,从中可以看出您的空间思想和设计理念。我知道您是在国外接受设计教育的,请问在伦敦皇家艺术学院读书的经历对您有什么影响呢?

利旭恒:挺有影响的。其中最重要的是学校的教育让我明白了自身文化的重要性。在英国读书的时候,也会在学校做一些项目,那个时候,学校不断地教育我们说要拿出属于自己文化的东西。其实那个时候我们既不清楚、也完全不考虑自己文化的一些东西。举个例子吧,在英国的时候,我发现很多华人,不管他来自香港、台湾或新加坡,都会给自己取一个英文名字。但是也有一些国家的学生包括来自韩国、日本,或者其它欧洲国家的学生很少会给自己取一个英文名字。我就很奇怪,大家为什么需要一个英文名字,和一些人讨论后得到的答案是,英文名字可以让老外觉得比较好记,能够更快地融入他们的文化和社会。当然这有一定的交际原因在里面,但本质上可能是因为我们对自己缺少太多的自信,所以希望出国念书的时候能够尽力地融入国外的文化氛围和生活习惯中,要让其它人感觉自己就是个完完全全的外国人。当然这是十多年前我上学时的情况。现在发展成很多的外国人开始起中文名字,这也是中国逐渐发展壮大的结果。我希望我的作品带着中国的文化在里面,同时,也一直朝着把传统文化和现代生活结合在一起的方向发展,而不仅仅像现在有的中餐厅那样,只是运用灯笼、窗花这些老派的流于表面化的东西。

 

其实换一种说法来讲,我觉得在您的设计当中,文化的东西并没有被刻意地输出,而是蕴含在潜移默化当中,一点一点地展现出来,比如烧肉达人这个项目。

利旭恒:这是在上海的一个项目,相对来讲比较困难。因为它是在一个写字楼的楼下,而我们用的易燃材料又比较多,所以消防方面限制比较严格。不过后来经过业主排除万难,这个项目得以实施,最后出来的效果还是相当吸引人的。比如这个东西就是一条普通的麻绳,因为这里很多的装修材料都会给人感觉比较硬的感觉,所以我希望做出有人情味感觉的东西,比如手工做出来的这一编织物造型。我们试着加入这些元素在里面,借此来软化整个空间,使整个环境刚柔并济,相互协调。松本楼这个项目因为是在上海,所以当时我们的想法是日式和中式两种文化的融合,于是就把江南水乡的柔美和日式建筑的结构做了结合,让小巧流水的船的意象贯穿其中,最后得到这样的效果。同时因为烧肉达人是一个日式烧肉餐厅,所以我们借助木炭这种材料来考虑这个空间设计的装饰部分与主题呼应。

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做餐饮空间设计的切入点是分析空间本身,当然也要结合其他因素比如传统的饮食文化等等,那么您会考虑到营业额或者业主的投资回报吗?

利旭恒:会去考虑。我们会考虑人均面积,例如多少的人均消费搭配多少的人均面积。象汉拿山这种比较大众化的餐饮类型人均面积在两平米左右,而像烧肉达人则会稍微高一点,人均一百出头。所以会把外墙面积和厨房面积等都删除然后计算大概需要多少餐位。

 

通常情况来讲,除了整体的空间设计以外,对于餐饮品牌的设定会有参与吗?比如说LOGO标识,菜品的制定或者服务人员的制服等等?

利旭恒:我们当然希望是做整套设计,包括餐厅名称、服务人员的制服或者LOGO等等,像烧肉和又及的LOGO都是我们设计的。当然即使不是我们做的我们也希望参与进去,提一些自己的意见。因为餐厅的设计关系到很多部分,一个部分不协调,破坏力就会很大。我们希望能够掌握最终整体效果,其中包括餐厅软装部分,我们也是在积极地参与。

创意是空间设计的核心

您之前提到说从个人偏好来讲,您希望做关于餐饮的设计,那么从设计的角度来讲,餐饮可以给您带来哪些设计层面的思考或者精神层面上更愉悦的东西?

利旭恒:因为我从小就很喜欢吃,年轻的时候也经常去台湾的那些时尚餐厅去参观,在那个时候就已经对这种空间设计很向往。后来到国外去上学,始终很关注那些酒吧、餐厅、咖啡厅或者酒店的装修,会去拍很多这种的照片。

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您在参观这些餐厅的时候最关注的是什么?

利旭恒:应该是创意,也就是说会关注这个餐厅的亮点和创意在哪里,哪里最吸引人,然后想着怎么才能有这么好的想法,如果是自己来做的话会有什么想法出来。

 

有没有那种印象非常深刻的,也就是说,第一眼就让你特别喜欢的空间设计?

利旭恒:挺多的,一时不知从何说起。一直很喜欢日本建筑师隈吾研的作品,所以这几年陆续去日本,去看他的作品,包括东京的一个刚开业的酒店,我在那边住了好几天。他设计的餐厅也很棒,还有他在福冈设计的星巴克和在浅草设计的文化中心,我也去看。我很喜欢他的一点是他把文化的东西和当代的工艺、技术及美学,还有商业结合得很好,我很佩服。

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对,他会把很多东西都不露痕迹地消化到设计中去。我自己体会设计的时候,觉着一定要有那种感同身受的体验,而不仅仅是照片上的视觉感。尤其是处在一个很有设计感的空间里的时候,会有一种很强烈的情感呼应在里面。

利旭恒:没错。有一次我们去看隈吾研在乡下的一个温泉交流中心。中心坐落在一个人烟稀少的地方,呈现出一个规则的三角形状,整体上又是一个起伏的结构,不是很高,只有一层楼。当时就觉着跟他之前的作品风格差异很大,然后我们走在路上闲逛的时候发现了设计师想法的高明之处。因为这个作品周围都是小山,远远看着这个作品也像是一座山,所以这个作品就融入到整体环境里面,让我觉着很有创意。

LED照明在餐饮业的“崛起之路”

飞利浦照明事业部曾经和荷兰的一家超市联合进行了一项为期21周的实验,通过在卖场中布局不同的LED照明解决方案,来测量不同的灯光色彩、色调会对消费者的购买习惯产生哪些影响,结果发现灯光的合理运用能够提升销售效果。当然这要归功于LED技术的发展。一方面LED技术的发展改变了灯具产品的外观,因为LED不受传统灯源的限制,这给LED在产品外形上的变化带来了无限的想象空间,另一方面,LED色调色彩的变化非常丰富,可以运用于不同场景的需求。那么现在在餐饮空间设计当中,用到LED照明的多吗?

利旭恒:多。因为餐饮空间的照明最注重气氛的营造,不仅要突出食物的美感,提高消费者的用餐欲望,更要调解人的情绪,营造一个愉悦、浪漫的就餐环境。LED光源可利用红、绿、蓝三基色原理产生上百万种颜色,形成不同的光色组合,实现缤纷的动态变化效果,能够满足不同就餐环境的用光选择;同时LED光源节能、环保、使用寿命长、发光效率好以及耗电量少等特点受到很多餐厅尤其是连锁餐饮客户的青睐。但目前也面临很多的问题,比如品牌灯具光源太贵,而不是特别贵的质量又不好,正好处于一个进退维谷的阶段。很多客户因为预算只能选择不是很有名甚至连听也没有听说过的牌子,可以想象,出来的效果非常不好。但也有一些客户,比如我们刚刚完成的那个在富力广场的港利餐厅,选择的便是飞利浦的光源,出来的效果很不错。

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飞利浦的光源有什么特点呢?

利旭恒:出来的显色度好,还有我们刚才说的聚光,即光源的发光角度能满足我们的要求,所以我们选择飞利浦。

 

以您的视角来预测一下LED的整体趋势吧。

利旭恒:其实现在LED灯的应用范围也很广,不仅大规模运用在商业领域,而且已经逐渐进入到寻常百姓的家庭领域,只不过还没有全方位地在全国普及。目前来说,LED偏高的价格在某些人看来还有些无法接受,但是LED节能、环保、使用寿命长等一系列的优点已经被大家所认同,因此说随着经济的发展、国家政策的相关支持以及人们环保、节能意识的提高,我相信,在不久的未来,LED作为一种新型、节能、环保的绿色光源产品,不仅仅是在餐饮照明,在任何需要照明的场所都会大面积、大规模地运用,这必然是未来照明业的发展趋势。

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